Поп-арт (сокращение от англ. popular art) не задавался целью (в отличие от других направлений) духовного развития общества и отдельных его представителей, а преследовал лишь цели развлечения. Поп-арт — это одно из порождений авангардизма. Произведения в новом стиле были своеобразной реакцией на серьезность беспредметного искусства и других стилей, появившихся в ХХ веке, и не несли в себе никакого глубокого философского смысла, всего лишь отражая влияние массовой культуры на общество потребления.
Ключевые слова: поп-арт, искусство, творчество, потребление, художник.
Поп-арт — это для всех.
Энди Уорхол
Художественное движение зародилось в середине 1950-х годов в Великобритании. Королевство тяжело переживало послевоенные годы. Можно сказать, что поп-арт обязан своим появлением завистливым взглядам за океан: на американскую массовую культуру, на идеализированные журнальные картинки беззаботной жизни общества потребления.
Первыми к этим образам обратились художники из «Независимой группы» , основанной в начале 1952 года. Они сформулировали и начали распространять большинство базовых идей британского поп-арта. Ведущими представителями «Независимой группы» были Р. Гамильтон, Н. Хендерсон, Д. МакХейл, сэр Э. Паолоцци и У. Тернбулл. Считается, что первым определение «поп-арт» использовал художественный критик Лоуренс Аллоуэй, тоже член «Независимой группы». Участники объединения изучали технологии создания современной рекламы и её влияние на сознание общества с помощью популярных образов — эмблем и логотипов товаров, изображений знаменитостей: актёров, певцов, телеведущих.
Одной из самых знаковых работ британского поп-арта считается знаменитый коллаж Ричарда Гамильтона под затейливым названием «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», для важнейшей выставки «Независимой группы».
Ричард Гамильтон, 1956, 26×24.8 см
Выставка «Это — завтра», прошедшая в Галерее Уайтчепел в Лондоне, стала отражением всепоглощающего интереса художников к массовой культуре. Как писал Л. Аллоуэй (английский искусствовед и куратор, с 1961 года работавший в США), «…кино, научная фантастика, реклама, поп-музыка. Мы не испытываем к массовой культуре неприязни, распространенной среди интеллектуалов. Напротив, мы принимаем ее как факт, детально обсуждаем и с энтузиазмом потребляем».
Коллаж обозначил ориентиры культуры на несколько грядущих десятилетий. Героями полотен становились вещи, окружающие реальность человека, все эти журналы, магазины, телевидение, т. е. понятные каждому и осязаемые предметы. Так родился поп-арт, самое узнаваемое, благодаря стремительному развитию медиа, направление искусства.
Наиболее широкое распространение поп-арт получил в США. Люди после войны стремились получить удовольствие. Здесь, сейчас и во всех смыслах: зрелища, хлеб, разные товары. На что живо откликнулось течение поп-арт. Поп-арт стал дерзким вызовом традиционной живописи, поскольку в нем делалась ставка на изображения из массовой культуры, включая рекламу, комиксы, обыденные предметы и новости. Новое поколение художников желало вернуться к предметной живописи, при этом внеся в свои работы некоторую несерьезность, иронию и приправить все это внушительной порцией китча.
После того, как Америка окончательно пришла в себя после Второй мировой войны, в стране начался мощнейший экономический подъем, что, в сочетании с прогрессом в области технологий и средств массовой информации, породило так называемую «культуру потребления». Культуру людей со стабильным высоким доходом и большим количеством свободного времени. Промышленность, расширившаяся и укрепившаяся за годы войны, теперь начала забрасывать массового потребителя самыми разнообразными продуктами, которые, если верить рекламе, были материальным воплощением счастья. Существенной поддержкой для культуры потребления стало развитие телевидения и новые тенденции в печатной рекламе, где акцент стал делаться на графических изображениях и узнаваемых логотипах — брендах, которые сейчас в нашем визуально насыщенном мире воспринимаются как нечто, само собой разумеющееся.
Многие искусствоведы считают, что корни поп-арта уходят гораздо глубже, чем принято считать. По их мнению, поп-арт является прямым потомком дадаизма, нигилистического художественного движения 20-х годов, которое высмеивало серьезность парижского искусства и, в более общем смысле, — политическую и культурную ситуацию, которая привела к войне в Европе. М. Дюшан, первопроходец дадаизма в Соединенных Штатах, который пытался сократить дистанцию между искусством и реальной жизнью, увековечивая продукты массового производства, был одной и самых влиятельных фигур в эволюции американского поп-арта.
Непосредственными первопроходцами поп-арта стали американские художники, которые в 50-х рисовали флаги, пивные банки и другие подобные предметы, но делали это в живописной выразительной манере.
Следуя духу времени, новые художники презрели все стандарты современной американской живописи, опиравшиеся на абстракции как отображение универсальных истин и глубоких личных переживаний.
Одним из важнейших принципов поп-арта является концепция, что в культуре не существует никакой иерархии, а искусство может питаться из любого источника. К прочим основным постулатам направления относится:
— некоторая эмоциональная отстраненность, «прохладная» двойственность;
— создание арт-объекта на основе обыденного продукта массовой индустрии, что подчеркивало тенденция превращения произведений искусства в товары.
— изображение популярного символа: портрета звезды кинематографа или эстрады, эмблемы или логотипа всем известного лакомства или напитка;
— нестандартные или даже странные сочетания предметов, вещей с их масштабами, гротескные размеры привычно-небольшого, вопреки законов логики (сродни сюрреализму);
— техника в стиле коллажа, фотопечати, чередование разных текстур, яркие цвета, а также надписи в форме девиза или слогана, благодаря которым картина почти не отличается от рекламного плаката;
— многократная повторяемость всем известного одного и того же объекта.
Сами представители поп-арта объясняли суть своего направления тем, что хотели вернуться к реальности, которая отсутствовала в произведениях художников-абстракционистов, и связать своё искусство с тем, что близко и понятно каждому современному человеку: кино, реклама, телевидение, индустрия товаров. Действительно, если многие века живописцы старались изобразить предметы «как настоящие», то почему бы искусству не использовать уже эти самые настоящие предметы?!
Наиболее яркие формы американского поп-арта:
— стилизованные репродукции комиксов с использованием цветных точек и плоскостей, заполненных одним цветом;
— буквально «вырезанные» из реальности картины и шелкографии с изображениями банок супа, коробок с мылом и бутылок;
— скульптуры, увековечившие такие обыденные вещи, как сантехника, печатные машинки, гамбургеры и т. д.;
— обнаженные, но асексуальные, плакатные образы;
— гипсовые человеческие фигуры, перенесенные на улицы города или помещенные в привычное многим окружение, к примеру, автобус, найденный на свалке.
Большинство представителей поп-арта начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Это были успешные журнальные иллюстраторы и графические дизайнеры, авторы билбордов. Благодаря этим первым шагам в искусстве художники получили мощное подспорье для дальнейшей работы, своего рода визуальный словарь массовой культуры, и приемы, позволявшие объединять сферы высокого искусства и поп-культуры.
Самые известные мастера поп-арта:
Энди Уорхол — американский художник, один из самых известных мастеров в истории поп-арта и современного искусства. Икона поп-арта, кто превратил консервные банки и бутылки в образчики искусства. Начинал он свою карьеру с оформления витрин магазинов. Одними из первых его работ были иллюстрации журналов. Его рисунки отличались эксцентричностью и крайней необычностью исполнения. Свои знаменитые «Банки супа Кэмпбелл» художник впервые представил публике 9 июля 1962 года на своей персональной выставке в Лос-Анджелесе в галерее «Ферус». Работа состояла из 32 полотен в технике трафаретной печати, на каждой из которых — один из видов супа. Зрители увидели как будто полку магазина с супами. Каждую работу можно было тогда приобрести за 100 долларов. А уже в 2007 году картина «Банка томатного супа Кэмпбелл» была продана на аукционе за 8,4 млн. На той, первой выставке Уорхола многие обвиняли в безвкусии, коммерциализации искусства, но нашлись и ценители авторского «магазина», которые позже и сделали из художника звезду. Работал художник в технике шелкотрафарета, которая позволяла многократно увеличивать изображение, дублировать его, разукрашивать в разные цвета. Самым популярным стала серия о Мэрилин Монро, которую Уорхел начал создавать сразу после загадочной гибели актрисы, вырезав фото из газетного некролога. Вся работа состоит из 50 обработанных фото: 25 ярких разноцветных и 25 черно-белых.
Ларри Риверс — американский художник, музыкант, режиссер, скульптор, один из основателей поп-арта. С 1961 начинает использовать в своих работах рекламные изображения, а спустя несколько лет создает на основе таких изображений коллажи.
Роберт Раушенберг — американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма, а затем концептуального искусства и поп-арта, стоял у истоков создания модульного искусства, является создателем направления комбинированной живописи. В своих работах тяготел к технике коллажа и редимейда, использовал мусор и различные отходы.
Питер Блейк — британский художник, один из пионеров английского поп-арта, общепризнанный мастер современного изобразительного искусства. создавал коллажи, в которых использовал почтовые открытки, вырезки из газет и журналов, портреты знаменитостей. Прославился как иллюстратор книг и художник-оформитель, создавший обложку для одной из самых известных пластинок «Битлз».
Клас Олденбург — американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта. Наиболее характерный приём Олденбурга — скульптурное изображение достаточно небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигантском масштабе, а зачастую также причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве. Скульптуры автора разбавляют однообразие городской среды. Чаще всего органично дополняя или даже украшая её.
Кит Харинг — американский художник, скульптор и общественный деятель, автор известных карикатур. C детства увлекался комиксами, что сказалось на дальнейших работах художника. Известность пришла к Харингу после появления его работ по росписи на стенах Нью-Йоркского метрополитена в начале 80-х.
Том Вессельман — американский художник, одна из ведущих фигур в движении поп-арта и патриарх стиля, работал в издательствах журналов и газет, рисовал иллюстрации, карикатуры и персонажей мультфильмов для киностудий. Автор знаменитой серии картин «Великая американская обнаженная». Техника художника объединяла живопись, коллаж и ассамбляж.
Дэвид Хокни — британский художник, один из основателей поп-арта, а также один из лучших мастеров данного стиля. В ноябре 2018 года Дэвид Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих. Его картину под названием «Бассейн с двумя фигурами» продали на аукционе «Кристи» в Нью-Йорке за рекордную сумму — 90 млн 300 тыс. долларов.
Джордж Сигал — американский скульптор и художник поп-арта, работы которого из гипса и бронзы породили новое художественное направление — «энвайронмент», вовлечение пространства в художественную композицию.
Джаспер Джонс — американский художник, одна из ключевых фигур стиля поп-арт, автор большого количества авангардных работ с изображением флага США. На холст, закреплённый фанерным планшетом, приклеивались вырезки из газет, а затем покрывались красками в соответствии с цветами флага. Густая и рельефная фактура после сложной техники живописи — энкаустики, на основе пчелиного воска, известной со времён Древнего Египта, делало картины неповторимыми, выразительными, видными издали, но если смотреть вблизи, изображение исчезало, обращаясь в абстрактные мазки.
Рой Лихтенштейн — американский художник, знаменитый своими работами в стиле поп-арт, автор комиксов. Свои первые работы Рой создавал, используя картинки из мультфильмов и комиксов, при этом он применял технологию из промышленной печати. Его репродукции комиксов — с использованием цветных точек и плоскостей, заполненных одним цветом.
Уэйн Тибо — американский художник, один из известнейших представителей стиля поп-арт, автор большого количества картин с изображением сладостей и игрушек.
Середина XX века явилась переломным моментом во всей истории человечества. Окружающий мир стал другим, начиная от производства товаров потребления до общения и связи людей между собой. Поп-арт, стал не только ответом, но и отражением того общества, в котором он возник. Если проследить на временной шкале те события, которые происходили в мире в тот период, когда появился поп-арт и достиг своего расцвета, то станет ясно, почему этот стиль столь отличался от всех предыдущих.
Подробно проблемы и устройство «общества потребления», которое сложилось в развитых индустриальных странах к 1970-м, описывает Жан Бодрийяр, французский философ-постмодернист, писатель, социолог, культуролог и публицист, одна из крупнейших фигур современной гуманитарной науки. Его работа (вышла в 1970 году) отразила влияние общества потребления на искусство и феномен поп-арта в их единении.
Бодрийяр пишет о том, что в обществе потребления массовая культура не дает людям культуры, как таковой, а предлагает культурную переподготовку: необходимость постоянно «быть посвященным», знать, что происходит в мире, но не предполагает наследственного достояния трудов, мыслей, традиций, а также непрерывной практики критического размышления. Автор задается вопросами, является ли поп-арт искусством чистой манипуляции? Или же не творцом, а лишь производителем объектов? Поп-арт, по мнению Бодрийяра, явился концом перспективы, творческого жеста, воспоминания, свидетельства и, что важнее, «ниспровержения мира и проклятия искусства». Если общество растворяется в своей мифологии, в нем нет критической перспективы самого себя, то оно может иметь только искусство, идущее с ним на компромисс. Поэтому, художники поп-арта рисуют объекты, так как они видят их в своем окружении, так как именно в этом виде они функционируют мифологически. В этом искусстве есть очевидное признание обществ потребления, признание того, что истиной предметов является их марка.
В поп-арте примиряются объект живописи и живопись-объект. Здесь есть двусмысленность и непоследовательность. Желая быть искусством банального, поп-арт сталкивается с проблемой, что предмет банален только до тех пор, пока не становится значащим, как это происходит в обществе, которое является массовым и сконцентрировано на потреблении. Поп-арт не требует ни глубокого понимания, ни сильного эмоционального вовлечения. Бодрийяр отмечает, что у людей, смотрящих на работы в стиле поп-арт, возникает улыбка или даже смех. Такая улыбка заключает в себе всю его двусмысленность: «это не улыбка критической дистанции, это улыбка сделки».
Таким образом, появляясь в конце 1950–1960-х, во время экономического подъема в странах Западной Европы и США, поп-арт вливается в этот мир, черпая вдохновение из супермаркетов, тиражей газет, по сути, отражает в себе реалии своего времени. Он ставит предмет в центр, как ставит его в центр мироздания общество потребления и тиражирует его, бесконечно копируя, пока не сотрется его индивидуальность, подобно тому, как массовое общество усредняет людей. Человек и сам превращается в массовый бренд, такой же как банка супа или бутылка Coca-Cola. Люди, их проблемы и жизни, во многом построенные на привычных моделях взаимоотношений, тоже становятся товаром, который им продает масс-медиа. Человек общества потребления безлик, он сменил индивидуальность на модный ярлык. Вся жизнь такого направлена только на удовлетворение потребностей и запросов, искусственно созданных СМИ. Приобретёнными и не всегда нужными вещами человек заменяет-замещает свою личность. И поп-арт указывает на данную проблему современного ему мира, но не предлагает способов её решения. Невзыскательному, духовно обеднённому зрителю-потребителю поп-арт только и может, что предложить красочные картинки красивой жизни, избегая разговоров о неоднозначности и сложностях развития личности.
Литература:
- Аксёнова А. С. Искусство ХХ века. Ключи к пониманию: события, художники, эксперименты. М., Эксмо. 2021. 208 с.
- Гомперц Уилл. Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси. М., издательство «Синдбад». 2012. 530 с.
- Жан Бодрийяр. «Поп-арт: искусство общества потребления?" //«Общество потребления. Его мифы и структуры». М., Республика.. 2006. 268 с.
- Искусство. Для тех, кто хочет всё успеть. М., Эксмо. 2019. 128 с.
- История искусств. Западноевропейское искусство. М., «Высшая школа». 2002. 368 с.
- Лексикон нонклассики. Художественно-эстетическая культура XX века. / Под ред. В. В. Бычкова. М., «Российская политическая энциклопедия» (РОССПЭН), 2003. 607 с.
- Мировая художественная культура. М., издательский центр «Академия». 1999. 448 с.
- Обухова А., Орлова М. Живопись без границ. От поп-арта к концептуализму. 1960–1970-е. История живописи. ХХ век. — М., Галарт, 2008. — 568 с.
- Рыков А. В. «Проблема поп-арта в англо-американской теории искусства».//«Постмодернизм как «радикальный консерватизм»: Проблема художественно-теоретического консерватизма и американская теория современного искусства 1960–1990-х годов». С-Пб., Алетейя. Историческая книга. 2007. 373 с.
- Хук Ф. Завтрак у Sotheby*s: Мир искусства от А до Я. С-Пб., Азбука-Аттикус. 2018. 416 с.
